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  • Vladimir Kush, The Last Supper (2009),analyse d'oeuvre - 04-07-2020
    Vladimir Kush, last supper 2009
    Last Supper

    Cette peinture est une métaphore de l'histoire du Christ. Elle ressemble à la peinture murale classique que Leonard de Vinci a créée entre 1495 et 1497 pour le réfectoire d'un couvent dominicain de Milan. En plus de ses prédécesseurs, Léonard a introduit un élément dramatique dans sa peinture, la présentant comme une scène de trahison. Il voulait montrer, à travers les images des apôtres, des personnes réelles réagissant individuellement à l'événement qui se produisait.

     

    Selon Vladimir Kush, le "langage des fleurs" est en mesure de traduire les teintes des sentiments, évoquées par les célèbres paroles du Christ: "L'un de vous me trahira". Dans ce tableau, l'ensemble du spectre des personnages des 12 apôtres est symbolisé par des fleurs. On devine Judas parmi les apôtres - il se trouve face au Christ. Si le Christ est ouvert au soleil et au Royaume de Lumière, Judas cache son visage dans sa capuche, qui représente le Royaume des Ténèbres. La grappe de raisin coupée, placée au bord de la table, symbolise la solitude du Christ sur cette Terre en tant que fils de Dieu. "Je suis la vraie vigne, et mon Père est le vigneron", dit le Christ dans l'Évangile de Saint Jean. Dans ce tableau, il y a des caractéristiques métaphoriques de tout le spectre des 12 apôtres qui se développent sous nos yeux. Ce sont des expressions de mouvement et de confusion, courant comme une vague à travers les apôtres en suivant les paroles du Christ. Il y a l'étirement furieux des bras, des tiges, s'approchant du Christ avec une question silencieuse. Il y a l'inclinaison des têtes, confrontée à l'inévitable et la navigation réfléchie à travers le "Livre des Destinées", à la recherche d'une réponse. Il y a aussi un lâche qui se détourne, se cache dans la "capuche" et une métaphore dans la grenade cassée, révélant des "intrigues cachées".

     

    La tête du Christ est tournée vers le ciel, comme s'il regardait vers le Père, qui l'a envoyé sur Terre pour sauver les âmes humaines. Seul le Christ sait quelle est sa véritable mission : Au lieu de simplement soutenir le royaume sur terre, il apporte le royaume céleste au peuple. Il connait son propre destin et sait que son âme appartient déjà à une sphère différente. Ce passage vers une sphère différente est nouvelle dans la représentation de l'événement. Le choix même de l'assimilation de la Dernière Cène à un rassemblement de fleurs n'est pas du au hasard. Dans les traditions anciennes, l'image du monde idéal est souvent perdu et gagné au jardin d'Eden. Dans l'Evangile de Saint Jean, Marie-Madeleine ne reconnait pas le Christ, elle le prend pour un jardinier. L'histoire du Christ après son arrivée à Jérusalem est présentée par le déploiement des symboles végétaux: les branches du palmier symbolisent l'arrivée triomphale de Jésus à Jérusalem et l'accueil du Christ roi. La grenade égrénée symbolise la crucifixion du Christ et son sang. Le raisin est le symbole de la renaissance spirituelle (ainsi que le symbole du sang du Christ). Les papillons sont le symbole de la résurrection. Ils créent un halo inhabituel autour de la tête du Christ, annonçant la célébration de la résurrection.

     

    Le langage des fleurs permet à l'artiste de présenter, d'une manière ′′naturelle" le drame vieux de mille ans qui s'est déroulé entre le Christ et Judas. Le Colisée romain a été choisi comme décor pour refléter l'époque où l'Empire romain régnait sur la terre d'Israël. C 'était Ponce Pilate, qui a pris cette décision fatale et qui a parlé à Jésus. Le Colisée sert d'l'image pour représenter le pouvoir romain comme le ′′royaume du mal".

     

    "Je décrirais mon travail avec la citation de William Blake : "Si les portes de la perception étaient nettoyées, tout apparaîtrait à l'homme tel qu'il est, infini...". Vladimir Kush.


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  • Vladimir Kush, Arrival Of The Flower Ship (2001), analyse d'oeuvre - 29-04-2020
    Arrival of the flower ship – Vladimir Kush
    Arrival of the flower ship

    Les images de ce tableau de Vladimir Kush semblent avoir été inspirées par la plus célèbre aventure "botanique" de l'Histoire. En 1787, le navire britannique Le Bounty partit d'Angleterre vers Tahiti, avec pour mission de collecter des plants d'arbre à pain, puis de les transporter dans les Indes occidentales où ils serviraient de nourriture aux esclaves travaillant dans les champs. L'équipage fit une escale de cinq mois à Tahiti, où il noua des relations avec les Polynésiens qui y vivaient. Les marins furent émerveillés par Tahiti qui leur apparut comme un paradis lumineux. Les marins ne voulurent plus quitter les mers du Sud et se mutinèrent contre le capitaine. Les mutins s’installèrent à Tahiti et dans les îles avoisinantes, tandis que le capitaine Bligh effectua un voyage de 3500 miles nautiques dans la vedette pour revenir en Angleterre en toute sécurité. La marine royale envoya ensuite le HMS Pandora pour capturer les mutins, ce qui posa  quelques difficultés et cette mission ne permis de retrouver que 14 membres d'équipage. Le navire fit ensuite demi-tour vers l'Angleterre et s’échoua sur la Grande Barrière de Corail, perdant 31 membres d'équipage et 4 des prisonniers. Lorsque les personnes restantes à bord parvinrent finalement à rentrer en Angleterre en 1792, les 10 détenus furent traduits en cour martiale, 4 furent acquittés, 3 pardonnés et 3 pendus. Vous avez probablement déjà entendu parler du livre/film "Les Révoltés du Bounty" qui retrace cette page de l'histoire marquée par les conflits.

     

    L'artiste Vladimir Kush représente donc le navire "fleur" voguant parmi les îles du paradis terrestre. La lueur rose de ses voiles glaïeul illumine tout. La teinte rose des fleurs rayonne contre les nuages en arrière-plan. La surface de la mer est parsemée de pétales de fleurs, quelques indigènes les utilisent pour aborder le navire tandis que d'autres le saluent avec des branches de palmier. Ce magnifique voyage se transforme en un cortège triomphal. Ce qui rend ce tableau très différent de ce que Dali aurait produit, c'est le sentiment d'un optimisme débordant. Dans la peinture de Kush, on sent vraiment l'atmosphère et enchanté lorsque le bateau avec ses belles voiles fleuries passe devant le paradis des îles polynésiennes. On imagine tout à fait les émotions que ces hommes auraient ressentie en voyant ces belles îles et également les réactions des autochtones à leur arrivée. D'ailleurs, la palette utilisée par Kush est constituée de couleurs vives et claires, qui donnent au tableau une sensation de quelque chose de nouveau et d'inexploré. Le bateau est d'un blanc éclatant - pas un bateau auquel on songerait traversant les mers pour atteindre cet endroit, ce qui accentue la sensation de découverte, surtout avec les nuages s'élevant derrière vers les cieux, donnant un ciel presque sacré.

     

    "Chaque feuille de papier emportée par le vent  se mue en mouette, volant haut dans le ciel". Vladimir Kush commentant son oeuvre "Diary of Discovery".


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  • Biographie du peintre surraliste Vladimir Kush - 21-04-2020

    Découvrez la biographie de Vladimir KUSH Peintre et sculpteur Surréaliste Russe né le 29 mars 1965 à Moscou. Il a été largement inspiré par l'oeuvre de Salvador Dali. De nombreux experts s'Accordent pour dire que c'est l'un des peintres surréalistes les plus talentueux de notre époque. 

     

    Vladimir Kush
    Kush

    Vladimir Kush, né en 1965 à Moscou, est un peintre et un sculpteur surréaliste russe. Ses dons artistiques se révèlent dès l'âge de 3/4 ans et dès l'âge de 7 ans, ses parents le mettent dans une école d'art en Russie. Il y travaille jusqu'à tard le soir et fait la connaissance des œuvres des grands peintres de la Renaissance, des impressionnistes célèbres, et des artistes surréalistes comme Magritte et surtout Salvador Dali. A 17 ans, il entre à l' Institut d'Art de Moscou Sourikov et obtient le diplôme de l’Institut des Beaux-arts. Après avoir étudié à l’Institut des Arts de Surikov, il a été recruté dans l’armée soviétique pendant deux ans où il a été affecté à peindre des peintures murales. Dans les moments difficiles, il gagne sa vie en faisant des dessins dans les rues de Moscou et des caricatures pour un journal.

     

    En 1987, Vladimir commence à participer à des expositions organisées par l'Union des Artistes. Lors d'une exposition à Coburg (Allemagne), en 1990, presque tous ses tableaux exposés sont vendus et après la fermeture de l'exposition, il s' envole pour Los Angeles, où 20 de ses œuvres ont été exposées. Alors commence son "odyssée américaine". À Los Angeles, Kush dessine des portraits sur la jetée de Santa Monica, puis s'envole pour sa "Terre promise", Hawaii. En 1993, un marchand français remarque l'originalité de son travail et organise une exposition à Hong Kong. Le succès dépasse toutes ses attentes. En 1995, une nouvelle exposition à Hong Kong remporte encore plus de succès. En 1997, il retourne aux Etats-Unis exposer dans les galeries à Lahaina, à Hawaï et à Seattle. En 2001 il ouvre sa première galerie, Kush Fine Art, à Lahaina, Hawaii. Ses oeuvres sont à présent exposées dans quatre galeries aux Etats-Unis avec le projet futur d'ouvrir plus de galeries à travers le monde.

     

    Bien que son style est souvent décrit comme surréaliste, Kush définit son art comme "Réalisme Métaphorique", ses œuvres sont imprégnées d'imagination et de fantaisie. Ses principales influences sont bien-sûr les paysages surréalistes de Salvador Dali, ainsi que les paysages romantiques du peintre allemand Caspar David Friedrich, sans oublier le travail du peintre néerlandais Hieronymus Bosch, connu pour son imagerie fantastique. Il travaille principalement comme medium la peinture à l'huile sur toile. Dans ses tableaux, le peintre nous entraîne dans un monde imaginaire et poétique, c’est une peinture joyeuse d’où se dégage la puissance du rêve, et où un thème est choisi pour chaque toile: Des compositions audacieuses, joyeusement trippantes, dans lesquelles les éléphants arborent des tubas pour la tête, les arbres se transforment en humains, etc...

     

    La place de l’Homme dans l’univers tout comme le couple semblent être ses thématiques favorites : On découvre tour à tour un "couple-paire de ciseaux" au centre de sa toile Always Together, un couple fusionnel réuni dans un baiser au cœur d’une noix dans Walnut Of Eden mais aussi un "couple-porte monnaie" dans Red ou Black Purse. Viennent ensuite une "femme-livre" dans Contes Érotiques, une "foule en fleur" dans Fiery Dance, un "homme-racines" dans Nero… L’imagination fertile de Vladimir Kush nous transporte dans un univers où décor et personnages se confondent, où objets et personnages se soudent, où, bien souvent, la nature et l’Homme ne font plus qu’un… Comment ne pas aimer ce peintre qui, de toiles en toiles, plus chargées de significations les unes que les autres, nous fait part de son cheminement personnel et probablement universel : Le chemin de l'Homme vers lui-même, sa place dans ce monde !

     

    Chez Kush chaque toile est en effet une association d'idées oniriques. Les voiles des navires sont des papillons ou des pétales, les bateaux se réfugient dans des ports au milieu des nuages, les ponts sont des chaussures ou des chenilles, les hommes naviguent sur des fleuves de bois, les silhouettes humaines sont contenues dans des fleurs, des verres ou des ampoules, elles ont des formes de ciseaux ou de toupies. Les situations et l’atmosphère sont toujours poétiques. Certaines œuvres ont beaucoup d’humour et l’artiste sait parfaitement jouer avec les illusions. Son art, nous fait irrémédiablement penser à celui de Dali, Magritte ou Ernst, les objets familiers sont représentés avec beaucoup d’exactitude mais aussi avec distance, souvent déformés, comme s’ils étaient vus au travers d’un prisme. Pour Kush "Refléter le monde dans le miroir de la métaphore" tel, est le but de l’artiste.

     

    "J'essaie de saisir les notions qui sont très difficiles à comprendre", dit-il. "Qu'est-ce que l'amour ? Quel est le but de la vie ? Le temps ? La seule façon de décrire ces choses ou de se rapprocher de leur compréhension est d'utiliser le monde des métaphores ou des analogies". Vladimir Kush.

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  • Biographie du verrier Franois Thodore Legras - 04-01-2020

    Découvrez la biographie du MAÎTRE verrier Théodore Legras, célèbre maître verrier qui se situa entre l’Art Nouveau et l’Art Déco. Sa production est éclectique : pièces utilitaires fabriquées en grand nombre et non signées, pièces artistiques ou de haut niveau dans le style Art nouveau. Consultez la biographie de thÉodore legras et découvrez son travail.

    Sur une carte postale d'époque, l'heure de la sortie des ouvriers de la verrerie Legras dans le quartier de la Plaine à Saint-Denis.
    Sur une carte postale d'époque, l'heure de la sortie des ouvriers de la verrerie Legras dans le quartier de la Plaine à Saint-Denis.

    François Théodore Legras est un maître-verrier lorrain, originaire d’un hameau des Vosges (né le 27 décembre 1839). Il est d’abord embauché comme commis à l'âge de 20 ans dans une verrerie située à Saint-Denis (93) puis devient 3 ans plus tard son directeur. Il employa jusqu’à 1400 ouvriers et 150 décorateurs dans une véritable cité industrielle ( la fabrique de Legras deviendra la plus importante verrerie Art Nouveau de la région parisienne). En 1900, il est responsable de la partie verrerie et cristallerie de l’Exposition universelle de Paris. La verrerie Legras dont le nom est "Verrerie et Cristallerie de St Denis" participera aussi à de nombreuses expositions nationales et internationales où elle sera très souvent récompensée.

     

    Ce capitaine d’industrie, dont les gigantesques usines tournaient jour et nuit, fabriquant aussi bien des pièces purement utilitaires à destination des armoires de la ménagère, des hôpitaux, des pharmacies, que de véritables chefs d’œuvre ou des pièces décoratives à l’usage du plus grand nombre, fut un homme de son temps et… du nôtre. Comme ses confrères de Nancy, Gallé et Daum, Legras est un adepte de l’Art Nouveau et joue avec des verres de différentes couleurs qui sont superposés et gravés à l’acide ou à la roue. Ses productions variées (articles de laboratoire, services de table, vases) inondent les villes de France et les comptoirs de Londres, Leipzig, Milan, Constantinople et Ploiesti. François-Théodore Legras a parfaitement illustré l’Art Nouveau et réalisé le challenge de faire "du beau dans l’utile" en produisant des milliers de modèles pour tous les milieux et pour toutes les bourses. François Théodore embrasse son époque. Il va illustrer les grands événements de son temps, politique, techniques, scientifiques : c’est une originalité de la production. Legras fut donc à la fois un fabricant de quantité et de qualité, qui porta la création verrière à l’un de ses nombreux sommets. 

     

    Son enfance passée dans un tout petit hameau, en pleine nature, au cœur de la forêt de Darney, l’une des plus belles forêts de France, l’a vraisemblablement marqué et va devenir source d’inspiration pour ses créations axées sur la faune, la flore et surtout sur les paysages de forêts et lacustres. Ses thèmes préférés sont toutes les variétés de chrysanthèmes, d’iris et d’orchidées. On rencontre beaucoup de vases de Legras mais aussi des coupes, lampes, bonbonnières, etc... Il fabrique également des verres givrés. Il se fait une spécialité de la couleur "vert Nil" obtenue par l’acide. Les décors sont souvent cernés à l’or et les formes généralement simples. Il a pratiqué toutes les techniques de verre et fut grand admirateur d’Emile Gallé qu’il a tenté de l’imiter dans les pièces artistiques mais tout en gardant son originalité. Les créations artistiques de Legras ne sont pas toujours signées, mais leur façon permet souvent de les reconnaître. Il fait partie des quatre maîtres verriers à la fondation de l'Art nouveau avec Gallé, Daum et Lalique.

     

    La guerre de 1914-1918, la mort du maître verrier (2 août 1916 à Paris à l'âge de 76 ans) relayé par son neveu Charles, lui même décédé en 1922 sonnent le glas de l'ère Legras. L'usine passée aux mains de Souchon-Neuverel (l'actuel BSN) continue à fabriquer sous la marque Legras et expose encore en 1924-25 (Exposition des arts décoratifs de Paris) dans une production style art déco. En 1925, le groupe cède l’usine vieillissante à la "verrerie et Cristallerie des Quatre Chemins" au parfumeur François Coty. La destruction des usines à la fin de la 2ème guerre mondiale en marque l'arrêt définitif.

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  • Biographie des frres Muller Matres verriers Lunville - 04-01-2020

    Découvrez la biographie  des frères Muller, fondateurs de la verrerie Muller Frères, ce sont des verriers d'art français de l'époque Art nouveau. Les Muller ont fait preuve de beaucoup d’originalité dans leurs créations, mais aussi d’une grande MAÎTRISE technique et décorativeConsultez la biographie des verriers Muller  et découvrez leur histoire.

    Photographie de la famille Muller, verrier à Lunéville
    Photographie de la famille Muller, verrier à Lunéville

    En 1858, Eugène-Auguste Guerner, chimiste verrier et Jacob Stenger, commerçant, venant de Vallerysthal, achètent un terrain à l'extérieur du village de Croismare près de Nancy, pour y construire une verrerie. La fabrique commence son activité en 1859 sous le nom d'"Etablissements Guerner", 5 avenue d'Alsace. Jusqu'en 1886, la verrerie fabriquera de la verrerie de ménage. En 1865, la société est rebaptisée "Verrerie Guerner et Bailly". A l'étroit dans les bâtiments d'origine, la verrerie s'agrandit en 1868. Sous l'effet des importations de verre bon marché de Bohême, l'activité diminue et la société arrête son activité.

     

    En 1894, l'usine est rachetée par divers investisseurs et quelques employés, une nouvelle société est créée. Elle prend le nom de "SA des Verreries de Croismare". L'usine emploie plus de 300 personnes dont 190 hommes, 90 femmes et 80 enfants. Le ralentissement économique qui s'ensuit permet à la famille Hinzelin Croismare d'acquérir une part majoritaire de la verrerie qui prend le nom de "SA des Grandes Verreries de Croismare". En 1913, le personnel est réduit à 200 personnes. L'activité sera arrêtée pendant la première guerre mondiale. En 1919, les frères Muller décident de reprendre l'usine.

     

    Fils d'un aubergiste de Kalhausen, les frères Muller, qui n'ont pas encore 17 ans, fuient la région occupée par les Allemands depuis 1870 pour la ville de Nancy. Auguste arrive en 1893. Il déclare aux autorités qu'il est graveur sur verre. Henri rejoint Emile Gallé à 28 ans, Désiré fait de même à 17 ans comme décorateur sur émail. Henri et Désiré quittent Gallé vers 1895 pour créer leur propre atelier à Lunéville. Jean commence chez Gallé à 24 ans comme graveur sur cristal. En 1896, toute la famille Muller (père, mère et enfants) vit à Nancy. Camille travaille chez Daum, Baccarat et enfin il va à Sèvres. Eugène, Victor et Pierre rejoignent l'atelier de Gallé.

     

    Vers 1904, Eugène rejoint Henri et Désiré à Lunéville. Dans l'atelier de la rue Sainte-Anne, les trois frères développent leur activité. D'autres frères et sœurs les rejoignent. Ils achètent leurs "blancs" dans la verrerie de Hinzelin (de 1895 à 1914). Puis ils gravent, sculptent, ... Ils produisent des vases, des coupes, des aiguières, des sculptures ... Les techniques utilisées sont la gravure camée sous toutes ses formes, la marqueterie de verre, l'émaillage, les superpositions, ... En 1900, Henri loue un espace à l'intérieur de la verrerie Croismare et y transfère une partie des ateliers de la rue Sainte-Anne à Lunéville. C'est à cette époque qu'apparaît la signature "Muller Croismare près de Nancy". Les frères Muller sont des artisans, pas des industriels. Ils multiplient le nombre de couches de verre superposées et resteront inégalés dans cette technique. Les pièces de cette époque sont parmi les meilleures car ils ne gardent que les pièces parfaites. Ils deviennent des spécialistes de la couleur et associent toutes les techniques apprises auparavant mais en les améliorant encore.

     

    En 1905, Désiré part pour le Val-Saint-Lambert (Belgique), laissant Henri à Croismare. Jean Auguste et Camille quittent la maison Houdaille à Sèvres et Emile devient directeur adjoint de la verrerie de Choisy-le-Roi. Eugène rejoint Désiré au Val-Saint-Lambert, où ils lancent la production d'œuvres d'art sous la direction de Léon Ledru. 411 modèles différents seront créés. En 1908, Eugène et Désiré retournent à Lunéville. Avec Henri, ils ouvriront deux nouveaux ateliers et commenceront une production semi-industrielle avec l'introduction de lignes de produits et la fabrication de luminaires. Ils reçoivent une médaille d'argent à l'exposition internationale de Turin en 1911 et une médaille d'or à l'exposition de Lyon en 1914. L'activité s'arrête en 1914 avec le début de la guerre au cours de laquelle Eugène est tué.

     

    En 1919, la verrerie Croismare a été partiellement détruite, l'équipement de production est obsolète. Henri et Désiré achètent la majorité des parts de la verrerie de Hinzelin et créent "Les Grandes Verrerie et Cristalleries de Croismare". Les bâtiments sont rénovés, de nouveaux fours sont installés. Dans le même temps, ils créent la nouvelle société "Verrerie d'Art Muller Frères" pour donner un nom à leur activité à Lunéville. Les pièces fabriquées à Lunéville seront signées "Muller Frères Lunéville". Celles fabriquées à Croismare seront signées "G.V. de Croismare". En 1925, ils gèrent 250 employés à Croismare et 100 à Lunéville. Les frères Muller créent, innovent et produisent avec génie. Ils suivent, anticipent, génèrent et inventent les tendances avec talent. Ils créent des pièces de tous les types, de toutes les couleurs, de toutes les formes et pour tous les budgets. En 1927, les deux entités sont définitivement réunies sous un nouveau nom : "Grandes Verreries de Croismare et Verrerie d'Art Muller Frères Réunies SA". Son siège social est basé à Croismare pour être transféré en 1931 à Lunéville. La société compte 350 employés à Croismare et 100 à Lunéville.

     

    Les lustres Art Déco de cette époque sont parfois des pièces monumentales. Le verre moulé-pressé prend la forme de plaques, dépoli ou poli, et travaillé à l'acide ou à la meule. Les vases animaliers sont parmi les plus belles créations de cette époque. Désiré affine la technique de l'intercalaire en 1929. Il crée une nouvelle ligne avec le ferronnier Chapelle. Le verre est soufflé dans un cadre métallique de forme animale dans un style Art Déco. Ces pièces sont creuses et destinées à être électrifiées. Au sommet de leur art, les frères Muller sont durement touchés par la crise de 1929. Les exportations s'arrêtent net. Ils souffrent également de la verrerie Daum "La Belle Etoile" basée à Croismare depuis quelques années. En 1934, la famille Muller est saisie et l'activité de la verrerie prend une autre direction. Victor meurt en 1935, Henri en 1936. En 1936, la verrerie cesse toute activité.

     

    En 1938, Georges, le fils de Désiré, et Marcel Muller, le fils d'Henri, unissent leurs forces pour créer un nouvel atelier, 11 rue du Faubourg d'Einville à Lunéville. Ils y produisent dans le même goût que leurs parents, mais avec quelques différences. Les temps ont changé et la seconde guerre mondiale arrive. L'entreprise s'arrête en 1940. En 1943, Désiré ouvre un tout petit atelier où il produit ses propres pièces. Il y réalise des pièces fantastiques. En 1946, son fils Georges crée une nouvelle entreprise avec son père. Jusqu'à 10 employés travailleront dans cette entreprise. Désiré travaillera le verre jusqu'à sa mort en 1952. Georges est seul et arrête son activité en 1957. Cette fois, l'histoire est terminée.

     

    Ces artistes créatifs de l’art verrier ont su s’adapter pendant près d’un demi-siècle aux techniques, mais aussi à l’évolution des styles. Aujourd’hui, collectionneurs et amateurs de ce type de pièces s’arrachent leurs vases en verre, leurs lustres Art Déco, et leurs vasques Art Nouveau. Toutefois, ces pièces ont été copiées en masse durant les décennies 70 et 80, et sont vendues aujourd’hui comme étant des authentiques. Le moyen de les repérer : la signature abrégée qu’elles comportent "Muller Fres Lunéville". Les pièces signées par les frères Muller sont particulièrement rares.

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  • Balloon dog, sculpture iconique de Jeff Koons - 16-11-2019
    Balloon Dog Orange de Jeff Koons
    Balloon Dog

    Balloon Dog est une des sculptures les plus connues de Jeff Koons qui existe en 5 couleurs différentes (bleu, magenta, jaune, orange et rouge), toutes Réalisées entre 1994 et 2000. Cette sculpture en acier inoxydable chromé avec revêtement de couleur transparent "high chromium stainless steel with transparent color coating" est la copie monumentale d'un chien fait de ballons tel qu'en fabriquent les amuseurs de rue pour les enfants. Il a transformé un objet sans qualité et éphémère, en une œuvre sculpturale monumentale qui a le pouvoir de survivre. Malgré ses trois mètres de haut et son poids d’une tonne, aucun détail n’a été laissé de côté dans le rendu de la forme de Balloon Dog. Une sculpture solide et lourde imitant un jouet léger et fragile à la parfaite surface réfléchissante. Une sculpture comique, drôle, en hommage à son fils qu'il ne voyait plus après avoir divorcé de son épouse (la Cicciolina) en 1994. Jeff Koons utilise cet outil drôle et original pour démontrer à la fois son amour paternel et fraternel.

     

    Après la séparation avec sa femme, l'artiste se lance dans la réalisation d'une collection d’œuvres d’arts autour du thème des jours de fête et des anniversaires: La série "Célébration". Cette sculpture qui en fait donc partie, rappelle au spectateur que les événements que l’on célèbre sont éphémères, comme les vrais chiens-ballons, qui se dégonflent avec le temps. Gigantesques sculptures en acier inoxydable, ils jouent sur les notions d'éphémère et d'indestructible, de mou et de dur. Malgré la simplicité apparente de l'œuvre, Koons y met le plus grand soin. Ses Balloon Dogs, par exemple, reproduisent le moindre plissement du ballon. Il a fallu six ans à l’artiste pour réaliser cette sculpture! Plasticien de l’ordinaire, Jeff Koons vise à transformer en œuvre d’art des objets usuels de la vie comme un cheval à bascule ou n’importe quel jouet d’enfant. Il récupère un objet, le façonne, l’agrandit, le moule, le peaufine à la perfection puis l’expose. Mais en regardant de plus près, nous pouvons voir que Jeff Koons nous incite à aller voir au-delà de ses formes surdimensionnées et à accepter la banalité. L’artiste nous pousse à la contemplation, nous émerveille et nous fascine à la fois.

     

    Le Balloon Dog est sans conteste l’oeuvre la plus emblématique de Jeff Koons. D'ailleurs, le 12 novembre 2013, le Balloon Dog orange de Jeff Koons s’est vendu 58,4 millions de dollars lors d’une vente aux enchères Christie’s, ce qui hissa la création au rang d’oeuvre la plus chère jamais vendue pour un artiste vivant. Jusqu'en novembre 2018, où il s’est vu détrôné par la vente du "Pool with Two Figures" de David Hockney qui avait atteint 90,3 millions de dollars. Mais le plasticien américain a récupéré le record, le mercredi 15 novembre 2019, grâce à la vente de sa sculpture "Rabbit" (qui représente un moulage en acier d'un lapin gonflable) pour la modique somme de 91,1 millions de dollars. Le "Rabbit" est l'une des oeuvres les plus connues de l'artiste qui a bousculé les conventions du monde des arts. Haut de 104 cm, il est issu de la collection de S.I. Newhouse, ancien patron du groupe de presse Condé Nast (décédé en 2017), qui comprend les magazines Vanity Fair, Vogue et The New Yorker.

     

    "Quand j’ai réalisé Balloon Dog, je souhaitais créer une œuvre qui reflète la joie de célébrer un anniversaire ou une fête. Le chien sculpté à partir d’un ballon est à la fois du matérialisme et de la monumentalité. Par plusieurs aspects, il est comparable au cheval de Troie". Jeff Koons.


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  • Balcon II (Hong-Kong), photographie de Philippe Ramette - 13-11-2019
    Philippe Ramette - Balcon II Hong Kong - 2001
    Balcon II Hong Kong

    Balcon II (Hong-Kong) de Philippe Ramette est une photographie couleur datant de 2001 ( 155.5 x 126 cm) exposée au Musée national d’art moderne, Centre Pompidou, Paris. Dans cette oeuvre, nous pouvons voir à gauche un balcon de profil surgissant d’un plan aquatique vertical ou un homme en costume noir et chemise blanche se tient debout, lui aussi de profil, jambes droites et parallèles. Les bras tendus tenant la rambarde, il regarde au loin, droit devant lui. La droite de la photographie est occupée par une ville de grattes-ciels (Hong-Kong) tournée à 90° dans le sens des aiguilles d’une montre. Au loin se dessine la montagne, au pied des immeubles on aperçoit quelques bateaux et au sommet de certains buildings des panneaux publicitaires sont visibles (Sharp, Panasonic, Epson) mais doivent également être lus la tête penchée à 90°. Cet alignement dessine du coup une "verticale" assez nette, délimitant le bord de l’eau. Le "pied" des gratte-ciels coupe donc l’image en deux, cette verticale est d'ailleurs reprise par celle de l’encadrement du balcon et de la posture du personnage.

     

    Au premier regard, on se dit que cette oeuvre est un photomontage mais en y regardant de plus près, on se rend compte que non. En effet, l’écume blanche visible sur le cadre supérieur du balcon, de même que le pan de costume horizontal, donc perpendiculaire à la ligne verticale du personnage, sont deux indices qui laissent deviner le subterfuge : la photo n’est pas truquée, elle a été en fait tournée à 90°, et le balcon flotte sur l’eau, le personnage étant en réalité horizontal (allongé face au ciel). Le projet conçu à partir d’un dessin fidèle fait intervenir des prothèses, ces supports complexes solidement appareillés par le designer Mathieu Paillard, et dissimulés au moment de la prise de vue. Comme il pose devant l’objectif, qu’il se met en scène, il lui faut un photographe pour immortaliser ses trompe-l’œil. Ce photographe, c’est Marc Domage. Cet homme semble donc tenu par un support invisible qui lui permet de rester à l’horizontale comme s’il était réellement au balcon. Phillipe Ramette fait en même temps tout pour perturber le regard du spectateur, les buildings et la ligne d'horizon renversés perturbent les repères spatiaux. Il faut tourner la tête pour comprendre comment à été construite l'image mais cela enlève toute la poésie et la philosophie de cette oeuvre : de cet homme semblant presque perdre son regard vers l’infini. La neutralité et l’homogénéité des couleurs (nuances de gris/bleu/vert) renforçant l’atmosphère contemplative de l’homme face à ce paysage.

     

    Avec cette oeuvre et dans bien d'autres, Philippe Ramette réussit à briser les codes et à donner un nouveau point d'observation aux spectateurs, à l'arracher de sa condition humaine de ne voir le monde que d’un point de vue unique. Mais pour ça, il faut se battre ! Pour Philippe Ramette, réussir à tenir debout et résister à la douleur provoquée par la prothèse qui le maintient dans cette posture horizontale. Pour le spectateur, réussir à mettre sa perception du monde en question, renier ses connaissances scientifiques et se laisser aller également à la contemplation, voir autrement et ailleurs, dépasser sa condition d'Homme... En effet, c’est important de multiplier les points de vue, de voir la poésie du monde sous des angles différents. D'ailleurs, et si les décalages de ce monsieur "Vertigo" n’étaient que les fruits d’une belle méditation contemplative, face à un monde aseptisé ne donnant pas assez de place à d’autres envolées ?

     

    "L’idée forte consiste à représenter un personnage qui porte un regard décalé sur le monde, sur la vie quotidienne. Dans mes photos, je ne vois pas d’attirance pour le vide, mais la possibilité d’acquérir un nouveau point de vue.", Philippe Ramette.


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  • Autoportrait de Robert Delaunay et Paysage au disque - 23-09-2019

    Robert Delaunay peint en autodidacte, depuis quelques années, des paysages de style impressionniste quand il découvre, en 1905, au Salon des Indépendants les œuvres de Seurat et Van Gogh, et au Salon d’Automne la peinture fauve, Matisse et sa Femme au chapeau, les paysages de Vlaminck et de Derain

     

    L’année suivante, à nouveau au Salon des Indépendants où il expose des toiles proches du style de Gauguin, composées par masses compactes et lumineuses, il rencontre le Douanier Rousseau et Jean Metzinger. Celui-ci lui fait découvrir des écrits théoriques sur la couleur, ceux de Michel-Eugène Chevreul par exemple, qui le convainquent que les couleurs sont interdépendantes et interagissent entre elles en fonction de leur répartition dans le spectre. Le diptyque formé par l’Autoportrait de 1905-1906, et Paysage au disque de 1906 participent de ses nouvelles recherches.

     

    Dans Autoportrait (Huile sur toile, 54 x 46 cm, 1905-1906, Musée national d'Art moderne, Paris), œuvre de transition, le visage, qui conserve toute sa lisibilité, est balayé par des touches de couleurs contrastées (vert et violet) qui s’opposent aux couleurs primaires du fond (rouge, jaune et bleu), esquissant, dans cet aller-retour visuel entre couleurs complémentaires et primaires, "la forme en mouvement" qui sera mise en place dans Paysage au disque, peint au verso, à la fin de l’année suivante.

     

    Dominée par la forme vide d’un disque solaire blanc (le blanc étant la synthèse de toutes les couleurs du prisme), la composition est animée par des touches épaisses, en cercles de couleurs complémentaires qui s’élargissent et se reflètent dans la mer et sur le rivage. En naît une dynamique giratoire qui semble repousser les limites de la toile. Dans cette œuvre encore clairement figurative, "le soleil" [ressemble toutefois] beaucoup plus à un cercle chromatique qu’à l’astre d’où nous vient la lumière. Le titre lui-même […] renvoyant aussi bien au disque solaire qu’aux disques tournants dits de Newton ou de Maxwell. Ce qui s’élabore ici timidement (par rapport à la série des Formes circulaires), c’est le fait que le soleil n’est pas directement représenté, mais plutôt transposé sous forme d’analogie.

     

    C'est donc une oeuvre manifeste portant au recto le dernier chef-d’oeuvre de la période fauve de Robert, l’Autoportrait de 1906, et au verso, un Paysage au disque de facture divisionniste incarne le tournant d’un art désormais entièrement fondé sur la couleur et la loi des contrastes simultanés antérieurement exploitée par Signac et Seurat.

     

    " La lumière est la seule réalité.", Robert Delaunay.


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  • Biographie de mile Gall, matre de l'Art nouveau - 12-08-2019

    Découvrez la biographie de l'artiste Émile Gallé, l'une des figures les plus marquantes des arts appliqués de son époque et l'un des pionniers de l'Art nouveau, fondateur et premier président de l’École de Nancy en 1901. Émile Gallé, né à Nancy le 4 mai 1846 et décédé dans la même ville le 23 septembre 1904, est un industriel, MAÎTRE verrier, ébéniste et céramiste français. Consultez la biographie de ÉMILE GALLÉ et découvrez son travail.

    Émile Gallé
    Gallé

    Émile Gallé est né le 4 mai 1846. Fils d’un maître verrier, il est très tôt en contact avec le monde de l’art (faïencerie et cristal) et du commerce. Émile Gallé est considéré comme le plus étonnant artiste verrier de son temps car il contribua grandement au développement de la verrerie d'art et du Style Art Nouveau. Après son apprentissage des métiers du verre à Meisenthal, et de la céramique à la Faïencerie de Saint-Clément, Émile Gallé est associé à l'entreprise de négoce et de décoration de faïence et de verrerie de son père dès 1867. C'est lui qui représente son père à l'Exposition universelle de 1867 à Paris où il obtient une mention honorable pour la verrerie et à l'Exposition universelle et internationale de 1872 à Lyon où il obtient une médaille d'or dans la classe 33 (porcelaine et cristaux).

     

    Ses nombreux voyages, dont celui à à Londres ou il travaille au musée Kensington et au jardin botanique de Kew Gardens, lui permettent d'approfondir ses connaissances dans la botanique qui lui serviront plus tard dans son travail de verrerie. Il entreprend ensuite une série de voyage qui le mènera en Italie, en Suisse, ainsi qu’à Paris, où il découvre l’art des cristaux anciens et le style arabe de Brocard, et les vases d’inspiration japonaise d’Eugène Rousseau. Au cours de ces voyages, Gallé visite énormément de musée, et s’inspire des objets d’art et de la verrerie de style médiévale, islamique ou rococo. Très influencé par la nature, notamment les plantes, les insectes et les animaux, ses verreries reflètent son génie et son inventivité quant aux techniques qu’il emploi. Il met à profit son don d’observation et devient l’un des pionniers de l’Art Nouveau. Si les thèmes qui nourrissent l’inspiration artistique d’Émile Gallé ont été multiples (l’Antiquité, le Moyen Âge, la Renaissance, le XVIIIe siècle, l’Orient, l’islam, etc...), la nature demeure sa principale source d’inspiration.

     

    L’inspiration botanique de Gallé remonte à ses années de formation en Allemagne durant lesquelles il a étudié la botanique et la minéralogie. Il mène ses premières herborisations à caractère scientifique à l’âge de 14 ans. Toute sa vie, il continue à herboriser. Il pratique la cueillette dans les Vosges et la campagne lorraine. L’herbier est un outil d’observation naturaliste, scientifique et mais aussi poétique, un exercice artistique. Il transcrit ses modèles à l’encre de Chine ou au pastel. Il reste attaché à la flore et la faune de Lorraine. Gallé a une prédilection pour l’ombellifère ou berce des prés, les paysages de montagnes, les fleuves, les lacs, les étangs et les sous-bois ainsi que toute la flore qui s’y développent, iris, nénuphar, arum, plantian d’eau. Il aime les arbres, les arbustes et les espèces grimpantes ou tourmentées et il ne dédaigne pas les essences japonisantes comme la magnolia et le tulipier. Par sa curiosité naturaliste précoce pour la botanique, il participe au renouvellement du répertoire décoratif menacé des sclérose par une répétition peu inspirée des styles.

     

    En 1873, il établit son propre atelier de verrerie et l'année suivante il reprit la manufacture de verre et céramique de son père à Nancy. En 1877, Charles et Émile Gallé officialisent le changement de direction. C’est en effet au cours de la décennie 1867-1877 que la production portant la signature Gallé connaît un spectaculaire développement. Gallé reçoit une reconnaissance internationale pour ses verreries très élaborées exposées lors de l’Exposition universelle de Paris en 1878. Cette reconnaissance le consacre en tant qu’artiste verrier. La construction de la première usine Gallé est lancée en 1884. Elle sera effective un an après. Gallé voyait dans le recours à la machine la possibilité de produire à moindre coût des objets destinés à une plus large clientèle. Ainsi, les chefs-d’oeuvre, pièces uniques ou de petite série, cohabitent avec les pièces de grande série dont la large diffusion a contribué à la reconnaissance internationale du foyer lorrain d’art décoratif et industriel.

     

    Son intérêt marqué pour la technique et ses variations autour des thèmes décoratifs en font une référence. Émile Gallé devient un important ambassadeur du cristal en France et à l’étranger, à partir de l’exposition Universelle de 1889: Son art du verre devient emblématique de l’Art nouveau. Pour ses productions de verreries et vases très réputés, il expérimente de nouvelles techniques décoratives: il élargit la gamme de couleur, travaille le verre dans la masse, ajoute des poudres, des paillettes, des feuilles d'or ou des bulles, grave à la roue et à l'acide, etc... Il dépose un brevet pour sa méthode d'insertion à chaud de fragments de verre créant ainsi une sorte de marqueterie de verre. Il est le fondateur de l’Ecole de Nancy en 1901 en collaboration avec Louis Majorelle, Eugène Vallin, les Frères Daum, René Lalique, Jacques Grüber et d’autres, dans un souci de rassembler tous les artistes, artisans et industriels lorrains appartenant à ce mouvement artistique "Art Nouveau".

     

    Il reste principalement dans les mémoires pour ses productions en verre multicouche travaillé à l’acide. Le principe: Une pièce constituée de plusieurs couches successives de verre de différentes couleurs est plongée dans un bain d’acide qui ronge certaines zones (le reste est protégé par du goudron), ce qui fait apparaître le décor. Le verre qu'il a créé était très élaboré: stratifié, émaillé, transparent, translucide, moulé ou gravé à l'acide. La Nature a inspiré ses dessin, il représenta des motifs plus tôt floraux, certains avec des feuillages ou des paysages ou d'aspect japonisant. Il a développé une technique spécifique de production de verre taillé, gravé, rehaussé de motifs émaillés, de couleurs lumineuses et de transparences du matériau. Il réalise également des lampes et des vases. Son travail de haute qualité et le coût raisonnable des œuvres de Gallé qualifient l’industrie Gallé. Il meurt en 1904 à Nancy, sa femme reprend la gestion de l’entreprise jusqu’en 1914, date du début de la guerre. La verrerie Gallé, conçue principalement à partir de gravure à l’acide, est produite jusqu’à la fermeture de l’usine en 1936.

     

    Gallé laisse derrière lui une œuvre immense: Lampe Art Nouveau, soupière en faïence, figurine japonaise, vases, coupes, suspension, bijoux, urne à parfum, etc... Léguée à la ville, la quasi-totalité de sa collection sera rassemblée à partir de 1968 au musée de l’Ecole de Nancy, dont le parcours dévoile la place centrale tenue par Gallé au sein du mouvement Art nouveau d’un point de vue régional mais aussi international. Réhabilité à partir des années 1960, Gallé apparaît aujourd’hui comme une référence dans le monde entier et jusqu’au Japon, où il est admiré comme un lien entre l’archipel et l’Occident. En témoigne le musée qui lui est dédié à Nasu, dans le département de Tochigi, à environ 150km au nord de Tōkyō.

     

    "Je maintiens, en effet, qu’on le raille ou non, mon mode d’appliquer, – comme les artistes du Moyen Age, qui bâtissaient sur de la foi et sur des idées, – d’appliquer, dis-je, des textes à mes vases et d’édifier mes acheteurs par des écritures." Émile Gallé.

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  • Tattoo II de l'artiste chinois Qiu Zhijie - 20-06-2019
    Qiu Zhijie - Tattoo II - 1994
    Tattoo II

    Artiste très créatif qui s¹exprime dans plusieurs media, Qiu Zhijie est très sollicité sur la scène artistique internationale. Poète et essayiste à l'âge de la réalité virtuelle, Qiu Zhijie s¹exprime notamment par la photographie, mettant en scène son propre corps. Comme dans l'oeuvre que nous allons voir ensemble, Tattoo II, une photographie grand format (180 x 145 cm / 1994), cadrée en plan américain et montrant un homme nu (Qiu Zhijie) adossé à un fond blanc. Les dimensions de la photo sont importantes: une hauteur d’homme. Pourtant on ne voit que la moitié du sujet. Le cadrage le rend ainsi monumental, à la hauteur du message qu’il veut nous faire parvenir. La lumière crue et froide est un choix qui confronte le spectateur à une image presque clinique, violente mais réelle, ne relevant pas de l’imaginaire.

     

    Si l’on observe bien l’œuvre de Qiu Zhijie, on s’aperçoit qu’il ne s’agit pas d’un montage photographique mais bien d’un idéogramme peint à même la peau. Sa traduction est explicite: "Non, tu ne dois pas". Le titre renvoie à un marquage définitif du corps. Pour rappel, dans la culture chinoise, les tatouages étaient utilisés pour stigmatiser les hors-la-loi, les identifier à jamais comme des criminels. En plus d’une interdiction que l’artiste subit par l’idéogramme, son identité propre est marquée "au fer rouge". Le rouge qui est souvent une couleur de violence, de sang, d’opposition. Elle rappelle ici également le communisme chinois. Le contraste est d’autant plus fort avec le fond blanc et la couleur claire de la peau. Le blanc peut être un symbole de pureté, d’innocence proclamée par l’artiste qui ne constitue pas une menace. En outre, en Chine, le blanc est la couleur du deuil, de la mort. La mort de l’art, de l’expression, de la création.

     

    La couleur et la mise en scène de ce message sur le corps de Zhijie renvoient donc évidemment aux nombreux interdits auxquels les artistes ont dû se plier, en particulier pendant la révolution culturelle maoïste. La situation en Chine a en effet certes évolué, pourtant l’artiste déploie davantage sa transgression en se montrant nu, dans un pays où la nudité est de tout temps interdite. Le tracé du signe lui barre la bouche, comme s’il l’empêchait de s’exprimer. Idem avec la verticale qui couvre sa cage thoracique, l’empêchant de respirer, et les obliques qui se prolongent sur le fond interdisant tout mouvement. Le signe est une matérialisation codifiée d’un élément de langage; on comprend que l’interdiction prononcée entrave littéralement la liberté de l’artiste, celle de s’exprimer, de communiquer, de respirer, de se mouvoir. C’est donc une interdiction de vivre, radicale.

     

    Si l’idéogramme millénaire, objet de langage et de communication, lui barre paradoxalement et violemment la bouche, l’empêchant de bouger et de parler, l’image vient ici compenser la défaillance du langage : l’intention est "lue". Utiliser son propre corps personnifie le message, le rendant politique et symbolique, transformant cette œuvre en icône contemporaine. Par ses dimensions, ses couleurs, son intention, Tattoo II est une image percutante, forte. Le message l’est tout autant dans sa portée politique et philosophique. Qiu Zhijie sacrifie son propre corps au service d’une cause humaniste: s’exprimer est la seule raison d’être d’un artiste. Condamner ce droit — entravé a fortiori par un idéogramme, objet de parole et d’expression — revient à condamner l’existence même de l’art. A méditer...

     

    "Les signes et les codes ont accablés les êtres humains et nos corps sont devenus simplement leurs véhicules.”, Qiu Zhijie.


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  • Autoportrait face la mort, Pablo Picasso - 14-04-2019
    Pablo Picasso - Autoportrait face à la mort - 1972
    Autoportrait face à la mort

    L'autoportrait face à la mort (1972 / Mine de plomb et crayon à la cire sur papier / 65,7x50,5 cm / Fuji Television Galery, Tokyo) est son ultime autoportrait réalisé environ 9 mois avant sa mort. Il lui demanda plusieurs mois avant de pour pouvoir le finir. Ces dernières années riment avec solitude. Matisse, Braque, Cocteau… tous ses amis sont morts. Dans cet autoportrait, la tête du peintre occupe toute la surface du support, elle est démesurément grande par rapport aux frêles épaules qui la soutiennent. Les traits sont durs, secs et anguleux. Le visage est creusé, presque squelettique. Le nez et les yeux asymétriques (pupille dilatée que du côté gauche) sont eux aussi exagérément grands. La forme du visage rappelle à la fois celle d'un crâne et celle d'un masque africain du fait de la simplification géométrique des formes utilisées pour construire le visage.

     

    Au niveau des couleurs, deux teintes sont dominantes; rose et vert pastels. Le visage est en vert tandis que l'arrière plan gauche et les cheveux semblent roses. Les deux couleurs se fondent. Une barbe noire et bleue recouvre le bas du visage, ses rides sont forcées et bleues, ses sourcils sont marrons et très peu marqués. Les couleurs utilisées dans ce dessin sont des couleurs froides: des bleus et violets allant jusqu'au magenta (rouge primaire) ainsi qu'un un bleu-vert, beaucoup de blanc qui rend les couleurs pastel, le tout rehaussé de graphisme noir. Une ombre rouge magenta est projetée à la gauche de la tête et des stries rouges couvrent le haut du crâne. On constate que Picasso multiplie les formes, hachures pour les cheveux en haut à droite, ronds pour la barbe et les narines et coloriage chaotique pour le cou et la barbe du menton. L'ensemble se rapproche d'un dessin d'enfant ou d'un masque plus que d'un autoportrait.

     

    Cet autoportrait est à la fois violent et fragile. Fragilité soulignée par le choix des couleurs pastel et par la forme des sourcils relevés qui apportent au regard un air déconcerté et égaré. Violent par son format qui ne laisse la place à rien d'autre, par ses traits épais qui cernent les éléments du visages et par le griffonnage agacé du bas du portrait. Pablo Picasso est à l'extrémité de sa vie, il est malade, fatigué (son visage est creusé et marqué par les cernes). Il sait qu'il lui reste peu de temps et pourtant il a encore tellement de choses à peindre! Il semble désemparé, à la fois inquiet (voir les deux rides frontales) et impuissant face à cette fatalité. Son regard est troublant et poignant, il s'en émane un sentiment de tristesse et de détresse. Le grand Picasso dévoile ici finalement sa vulnérabilité. "L'autoportrait face à la mort" ne concerne plus seulement le spectateur ni une démarche artistique, il concerne le peintre lui-même. C'est le peintre regardant droit dans les yeux sa fin proche.

     

    Cet Autoportrait face à la mort est donc le dernier autoportrait de l’artiste. Ce portrait est à la fois ressemblant et semble être une allégorie de la mort. Il montre le visage de l’artiste fusionnant avec un crâne. Expression d’une terreur et d’une plongée en lui-même, la mort semble déjà ronger le tableau: le visage, disproportionné, se creuse, se teinte de bleu, s’efface et se fait crâne. Finalement, l’autoportrait ne serait-il qu’une "vanité" ? Il exprime, comme un cri muet, la peur universelle de l’homme face à la mort. Picasso a écrit: "toute ma vie, j’ai cherché à dessiner comme un enfant". Dans ce tableau, son dernier autoportrait, (peint à l’âge de 92 ans) Picasso a peut-être réussi effectivement à redevenir un enfant craintif, qui exprime simplement sa détresse.

     

    "Nos morts continuent de vieillir avec nous.”, Pablo Picasso.


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  • Autoportrait la mche, Pablo Picasso - 02-04-2019
    Pablo Picasso - Autoportrait à la mèche - 1907
    Autoportrait à la mèche

    L'Autoportrait réalisé par le peintre espagnol Pablo Picasso en 1907 est un tableau de 50 centimètres de haut par 46 de large conservé au Veletržní palác par la galerie nationale de Prague (République tchèque). Il s'agit de son autoportrait le plus célèbre. L’autoportrait est assez réaliste, mais les formes sont géométriques: Visage triangulaire, grands yeux ovales, les lignes dessinées par les traits du visage, la mèche de cheveux et les plis des vêtements. C’est le début de la "période rose" de Picasso (il utilise les tons de rouge).  Nous sommes au tout début du mouvement cubiste. On reconnaît la tendance à la géométrisation des formes, sous la double influence de l’art nègre et de la peinture de Cézanne. Les couleurs rappellent celles du tableau Les Demoiselles d’Avignon. Elles rappellent également les couleurs des vases grecs de l’Antiquité, qui fascinaient le peintre.

     

    Dans cet autoportrait, il pose en buste (plan rapproché) mais de face cette fois. Le visage est anguleux, les zones d’ombre sont remplacées par des traits noirs plus raides que souples. Les traits du visage sont marqués, les yeux très agrandis (tout l’iris est visible et ne différencie pas de la pupille), le nez est également épaissi et allongé. La gamme des couleurs est chaude : elle tourne autour des bruns et des orangés, la chemise et le haut de la blouse sont traités dans un blanc cassé, la chevelure très noire à peine éclairée de lignes blanches le support est laissé apparent… La technique semble toujours rapide, pleine de vigueur; la couche picturale a parfois été frottée pour obtenir des zones claires, les détails ont été supprimés au profit d’une plus grande expressivité.

     

    Picasso a 26 ans. Il est jeune, et essaie de se mettre en valeur. Sa coiffure est soignée et il a une tenue élégante: chemise blanche, manteau d’une belle étoffe. Le peintre tient à montrer le meilleur de lui-même, il est élégant, bien coiffé. Picasso est heureux, il vit depuis deux ans au "Bateau-Lavoir" et a rencontré sa première compagne, Fernande Olivier. Après la "période bleue", plus mélancolique, c’est le début de la "période rose". Pendant cette période, il exploite les thèmes de la joie, de l’amour et de l’inquiétude existentielle. On voit ainsi dans cet autoportrait un contraste entre l’impression de chaleur apportée par les couleurs et la froideur de l’expression du visage. Les yeux immenses et disproportionnés donnent également au personnage une expression trouble, mélancolique.

     

    "Faut-il peindre ce qu'il y a sur un visage? Ce qu'il y a dans un visage? Ou ce qui se cache derrière un visage?", Pablo Picasso.


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  • Autoportrait la palette, Pablo Picasso - 24-03-2019
    Pablo Picasso - Autoportrait à la palette - 1906
    Autoportrait à la palette

    Devant un fond gris, Picasso se représente ici en buste avec sa palette, face au spectateur. L'artiste apparaît comme un peintre sans pinceau. C'est un autoportrait figuratif où les drapés et modelés permettent d'être proche de la réalité. On constate que le tableau présente très peu de détails et que ceux existants ont été simplifiés. Le modèle est habillé très sobrement, la coiffure et la palette ne présentent presque aucun détail. Le nombre des couleurs utilisées est restreint (bleu-gris, beige rosé et noir) ce qui participe à l'impression de calme et de sévérité dans ce tableau. Dans cet autoportrait, Picasso a vint-cinq ans, il se dépeint comme un peintre confiant dans l’avenir, en raison de son succès croissant, après ses périodes bleues et roses. Son autoportrait comporte une palette, mais pas de pinceau, comme s’il était un magicien qui n’avait pas besoin de medium pour réaliser ses œuvres. Il pose en champion de l'art moderne dans ce contraste de formes simples que sa virtuosité de peintre rend puissante.

     

    Picasso apparaît donc comme un peintre fier et déterminé, la palette étant le seul indice du métier de la figure athlétique et coriace représentée, dont la carrure évoque plutôt celle d’un boxeur ou d’un lutteur. Le pouvoir de l'artiste est concentré dans son bras droit, avec son poing fermé qui ne tient plus le pinceau, pourtant dessiné sous la peinture. La vitalité musculaire de ce bras agit en contraste avec l'expression sévère du visage, dont les paupières et les sourcils exagérés, le visage ovale et l'oreille surdimensionnée lui donnent l'aspect d'un masque, séparé du corps par la ligne prononcée de la clavicule. Dans cette peinture, ce reflète les influences stylistiques des récentes rencontres de Picasso avec l'art africain et la sculpture ibérique archaïque. Cet autoportrait affichent également à la fois les caractéristiques du primitivisme des sculptures ibériques (couleurs naturels faisant penser à la terre, au bois ou à la roche, traits simplifiés et comme "creusés" ou sculptés) et les recherches graphiques de Cézanne. Il annonce ce qui allait devenir le cubisme : Picasso détruit la profondeur spatiale, la perspective, et peint des sujets aux formes solides, volumineuses et simplifiées.

     

    Il s'agit évidemment d'un autoportrait peint à la troisième personne, puisque les yeux de l'artiste se détournent à une distance indéterminée. C'est comme si l'artiste portait un masque, de la même manière qu'un athlète ou un guerrier porte un casque qui représente son pouvoir mais ne donne aucune indication sur ses pensées ou ses sentiments. Apparaissant pratiquement détachable, le visage est séparé du corps de l'artiste à la fois par sa couleur foncée et par la démarcation nette de la ligne de la clavicule. La stylisation des paupières et des sourcils exagérés, du visage ovale et de l'oreille surdimensionnée s'appuie sur diverses sources, notamment l'inspiration de Gauguin. Ce tableau évoque également l'art dit primitif que Picasso connaissait bien à cette époque, notamment les sculptures ibériques archaïques exposées au Louvre et les sculptures romanes qu'il avait vues en Espagne l'été précédent. (Picasso - autoportrait avec palette,1906 - huile sur toile - 92 x 73 cm - Museum of art, Philadelphia).

     

    "Faut-il peindre ce qu'il y a sur un visage ? Ce qu'il y a dans un visage ? Ou ce qui se cache derrière un visage ?”, Pablo Picasso.


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  • Autoportrait, Pablo Picasso - 20-02-2019
    Pablo Picasso - Autoportrait - 1901
    Autoportrait

    L'Autoportrait est une huile sur toile peint en 1901 (81 × 60 cm / conservée au musée Picasso de Paris) réalisée par le peintre espagnol Pablo Picasso durant sa "période bleue" (1901 à 1903). Cette période est marquée par la disparition d’un ami très proche du peintre, Carlos Casagemas. Après son suicide Picasso plonge dans un univers sombre et pesant. Pour Picasso, la couleur bleue exprime la misère, la vieillesse, la mort et la froideur du monde, comme le témoignent les portraits réalisés durant cette période : vieillard, femmes de mauvaise vie, aveugle ou mendiant... D'ailleurs dans le portrait ci-dessus, Pablo Picasso se représente comme un personnage solitaire, abandonné, miséreux, vêtu d’un large manteau bleu foncé au col relevé cachant son cou. Picasso a un regard vide, néanmoins dirigé vers le spectateur. Quand il peint ce tableau, il n’a que 20 ans mais il se représente volontairement beaucoup plus vieux, sous l'aspect d'un homme aux traits vieillis et aux joues creusées. Dans ce sens, l'Autoportrait de Picasso rappelle aussi les visages creusés du peintre Le Greco (1541-1614) avec ses nuances chatoyantes de bleu, ses traits émaciés et sa barbiche en pointe. A l'arrière plan, aucun paysage n’apparaît mais juste une couleur bleu verdâtre. Sa chevelure, très foncée, dont la couleur est quasi identique à celle du manteau, semble tout comme celui-ci être très schématisée sans aucun détail: un grand aplat de bleu sombre, cerné de noir à la manière du Cloisonnisme de Gauguin. Le tableau dégage une atmosphère calme et triste. L'utilisation de lignes verticales (le manteau) contribuent à ce sentiment d'immobilité que l'on ressent devant cet autoportrait. L'artiste apparaît ici dans toute son impuissance. Tel un masque, son portrait au regard lointain, exprime tout le désarroi du peintre, qui ne peut rien faire contre les aléas de la vie. Il porte le deuil… de Casagemas.

     

    "C'est en pensant à Casagemas que je me suis mis à peindre en bleu", Pablo Picasso.


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  • Biographie de l'artiste Clbre Jacques Brown - 15-01-2019

    Découvrez la biographie de James-Jacques BROWN dit Jacques BROWN, né en 1918 et mort en 1991, à Paris. C'est un peintre, sculpteur et graveur français. Durant plusieurs décennies, Jacques Brown a été présenté dans les plus grandes manifestations et a été considéré par de nombreux critiques comme un des artistes les plus doués de sa génération, voire le plus avant-gardiste et comme l’un des pionniers de la Nouvelle figuration.

    Jacques Brown
    Brown

    Jacques Brown est né le 22 octobre 1918 à Paris d’une mère anglaise, femme de ménage pour une famille parisienne et d’un soldat américain. De 1933 à 1938, il suit des études littéraires puis des études de droits à l'Institut d'études politiques de Paris. Il rencontre sa future femme Edith Nugues avec qui il aura trois enfants et réalise ses premiers autoportraits ainsi que de nombreux dessins, à la mine de plomb et peintures dont les sujets figuratifs (autoportrait, portraits, nus, paysages). En 1945, il quitte ses fonctions de rédacteur au ministère des Finances pour se consacrer entièrement à l'art.

     

    En 1949, il réalise ses premières lithographies et se lance dans la création de ses premières sculptures en plâtre, "Les Embryons", dans sa chambre de bonne-atelier à Paris. En 1950, il emménage dans un ancien atelier de photographe. Et commence la réalisation de son Bestiaire et réalise ses premières linogravures. Cette nouvelle technique marque un tournant dans sa carrière artistique et l'apparition du style propre de l'artiste. En 1951, il fait la rencontre déterminante pour la suite de sa carrière artistique du sculpteur Etienne-Martin qui devient rapidement son ami et son confident le plus proche.

     

    Dès les années 1950, il expose régulièrement au salon de la Jeune Sculpture au côté de son ami Étienne-Martin. Il est très vite repéré et soutenu par le critique d’art Michel Tapié et le galeriste Rodolphe Stadler. La carrière de l’artiste dépasse les frontières françaises : aux États-Unis, il est régulièrement présenté par la galerie Mayer et Peggy Guggenheim achète même une de ses peintures sur velours. Son inspiration est en grande partie issue de la littérature fantastique, notamment des romans de l’écrivain Lovecraft. Un surprenant univers personnel, nourri donc par ses lectures, mais aussi par son intérêt pour la mythologie, les religions et son goût pour le fantastique. Ceux-ci se retrouvent dans l'intégralité de son oeuvre ( dessins, manuscrits, lithographies, sculptures ainsi que dans ses linogravures).

     

    Entre 1954 et 1955, premier contact avec le polyester stratifié, pour la création d'une nouvelle carrosserie d'une Bugatti 75. La découverte de ce matériau est une véritable révélation. Il abandonne progressivement les matériaux traditionnels. En 1957, il débute la création de peintures sur velours, et en 1960, il arrête définitivement ce travail et reprend frénétiquement ses créations sculpturales. Une exposition personnelle lui ai consacrée à la galerie Mayer à New York. En 1965, début du "Théâtre des Coquilles". Jacques Brown consacre toute son énergie à la réalisation de cette oeuvre d'art totale, qui devait mêler peinture, sculpture, musique, et art de la représentation.

     

    En 1968, il expose à l'hôtel de la Fondation Salomon de Rothschild. C'est un grand succès critique mais l'artiste assume mal cette notoriété et commence à prendre ses distances avec le monde artistique. Entre 1970 et 1975, à cause de l'intoxication au polyester, il revient à une production uniquement picturale avant de mettre un terme à sa carrière d’artiste à la fin des années 1980. Le 21 décembre 1991, Jacques Brown meurt à Paris. A sa mémoire, Etienne-Martin sculpte "L'Hommage à Brown", une sculpture en bois polychrome.

     

    Le musée des Beaux-Arts de Vannes (La Cohue), organisa en 2013 la première rétrospective de cet artiste oublié, dont l'oeuvre repose sur une logique et un imaginaire très personnel. L’exposition organisée par le musée de Vannes permit d’embrasser la totalité de son travail, de mettre en avant sa grande diversité et le plus important d'exposer le travail de cet artiste à présent injustement méconnu du grand public et du monde de l’art. Il est en effet encore aujourd'hui presque totalement absent des livres sur l’art du XX siècle. Et il n’existe aucun entretien avec l’artiste.

     

    "Les gens étaient toujours un peu surpris par les oeuvres de Brown. Elles avaient le don d'étonner les spectateurs. Il s'agissait d'une forme de cuisine épicée dans laquelle se retrouvaient mêlés des personnages angéliques et des images torturées", Etienne-Martin à propos de Jacques Brown.

    MERCI À VOUS D'ÊTRE VENU(E) LIRE LA BIOGRAPHIE DE Jacques Brown SUR BPA.


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  • Srie d?autoportraits numrots, Roman Opalka (dtails 2075998, 2081397, 2083115, 4368225, 4513817, 4826550, 5135439 et 5341636) - 27-10-2018
    Roman Opalka - 1965 - détails 2075998, 2081397, 2083115, 4368225, 4513817, 4826550, 5135439 et 5341636
    Série d’autoportraits numérotés - Détails 2075998, 2081397, 2083115, 4368225, 4513817, 4826550, 5135439 et 5341636

    L’œuvre de Roman Opalka matérialise le temps qui passe. À la fin de chaque séance de travail (ou il inscrit la progression numérique élémentaire de 1 à l'infini sur des toiles de même dimension), Opałka se prend en photo sur fond blanc selon le même protocole: Cadre serré, éclairage lumineux et régulier, fond blanc, chemise blanche, cheveux qui blanchissent et autres signes de vieillesse, il vient peu à peu se fondre dans le fond, y disparaître. Le fait que ses toiles et ses photographies soient en noir et blanc et systématiquement réalisés dans les mêmes conditions enlève tout détail superflu, toute anecdote! Reproduisant toujours le même cadrage, la même lumière, le même point de vue frontal, le même processus… Renouvelant sans cesse le même dispositif, Opalka fait de sa vie une œuvre. Les autoportraits d'Opalka, présentés comme des photos d'identité frontales, avec ce regard fixé sur l'objectif et sur le spectateur, semblent défier le temps. Le dialogue permanent avec le temps qui passe, la progression de l’usure, la vieillesse est un face à face avec la mort incontournable. Et oui! Bien au-delà de l'appareil photo, et bien au-delà encore du spectateur, c'est la mort elle-même qu'Opalka sonde froidement du regard, dignement, crânement oserait-on dire, avec la pleine conscience qu'elle finira bien par le rattraper. Les autoportraits du peintre enregistrent donc l'écoulement inexorable du temps: "ce que je nomme mon autoportrait, est composé de milliers de jours de travail. Chacun d'eux correspond au nombre et au moment précis où je me suis arrêté de peindre après une séance de travail". Chaque nouveau portrait est une trace de sa présence encore vivante à un moment donné. De 1965 à 2011, l’artiste atteignit le nombre de 5.607.249, et réalisa des milliers de portraits, aujourd'hui célèbres en raison de sa démarche plutôt extrême, répétitive et rigoureuse. Dans le milieu artistique, son obstination est reconnue comme une forme de courage.

     

    "On peut comparer ma vie à une performance semblable à toutes les vies actives, à tous les défis possibles, ceux d’un océanographe ou d’un alpiniste ou encore à la manière d’un artiste donnant, au cours d’une soirée, un happening de quelques heures, avec la différence qu’ici il s’agit de la durée d’une vie". Roman Opalka.



  • Biographie de l'artiste Brsilien Eduardo Kobra - 22-09-2018

    Découvrez la biographie de kobra. Eduardo Kobra signe des oeuvres gigantesques sur les plus grands murs des grandes métropoles autour du monde. Il est en effet mondialement connu pour ses grandes fresques colorées qui rendent hommage aux figures mythiques.

    Eduardo Kobra Biographie
    Kobra

    Eduardo Kobra dit KOBRA, né le 1er janvier 1976, est un artiste brésilien de street art originaire de São Paulo. Issu d’un milieu modeste, il délaisse rapidement les études pour se tourner vers l’art, au grand dam de ses parents. Dès ses 12 ans, il rejoint ainsi un petit "gang" de graffeurs "Zone 1" dans sa cité, et commence à peindre illégalement les murs de son quartier pauvre de São Paulo, Campo Lindo. Il sera arrêté à de nombreuses reprises mais toujours relâché car mineur. Les premières années sont difficiles pour l’artiste brésilien. Il lui arrive fréquemment d’échanger ses peintures contre de la nourriture, des vêtements ou même un endroit pour vivre.

     

    Après des débuts difficile donc, Eduardo fonde le Studio Kobra au début des années 90. Son objectif: Transformer le paysage urbain à travers l’art et raviver les souvenirs de la ville. Ses sources d’inspiration sont entre autres le travail d’Andy Warhol, Basquiat, Keith Haring, Gustav Klimt et Diego Rivera. Et ses mentors en Street Art sont Banksy, Sheppard Farey et Mr. Brainwash. Ses œuvres, principalement basées sur des photos contemporaines, distillent des messages de paix en rendant hommage à des moments historiques. Son travail revêt également une motivation politique avec des messages sur la pollution, le réchauffement climatique, protection de l’environnement, tauromachie, pêche à outrance, la déforestation, la guerre, l'éducation, la santé, la sécurité… C'est à partir de 2005 que son travail devient international: il peint sa première oeuvre à l'étranger "dans la ville française de Lyon, sur un mur d'immeuble".

     

    Autodidacte, il travaille dur en amont les techniques de peintures, de 3D et de graphisme pour proposer des fresques murales d’un grand réalisme et d’un profond esthétisme. "Aujourd’hui, mon travail est l’association de la tendance tag, du graffiti américain, des muralistes mexicains et du graphisme géométrique", explique Eduardo Kobra. "Si je peins avec autorisation, je continue tout de même à dénoncer des politiques qui sont contraires à mes idéaux". Parmi ses influences, il cite également la vie à São Paulo et la culture hip-hop. Le lien entre son travail et la ville a toujours été constant, vital, au cœur de ses créations: "Utiliser la ville comme support m’est venu naturellement, car c’est ainsi que je l’ai appris dans la banlieue de São Paulo", explique-t-il. "Je me sens privilégié de pouvoir exposer mon travail aux yeux de ceux qui ne sont jamais entrés dans un musée ou une galerie d’art. C’est un échange gratifiant quand on connait le nombre de personnes qui voient mes créations chaque jour".

     

    Depuis l’artiste a réalisé des fresques un peu partout dans le monde, à Miami, à New-York, à Tahiti, à Dubaï, à Rome etc... Le fil rouge étant de représenter les visages de personnalités de chaque ville. L’artiste affectionne en effet particulièrement les portraits et notamment ceux de personnages célèbres tels que Tupac, Anne Franc, Nelson Mandela, Albert Einstein, Salvador Dali, Edith Piaf, Notorious B.I.G, Gandhi, John Lennon, David Bowie, Bob Marley, Abraham Lincoln, l’astronaute Amstrong ou encore Jésus Christ. Son projet portant le nom "Murs de la Mémoire" a pour ambition de redonner à la rue son histoire en faisant cohabiter l’art dans le paysage urbain et la mémoire collective du passé. Sa volonté est de "recréer une ville qui n’existe plus afin que les gens qui n’ont pas vécu cette époque puissent la découvrir et que ceux qui l’ont vécue puissent la revivre et regarder les fresques avec nostalgie". Enfin, au delà des dimensions hors normes de ses œuvres, ce qui dénote aussi dans son travail, c’est cette recherche permanente de couleurs et le mélange entre rondeurs et effets graphiques. La patte d’Eduardo Kobra est en effet ces couleurs qu’il utilise, aux attraits kaléidoscopiques qui donne une image si singulière et saisissante à ce qu’il nous offre.

     

    ANEDOCTE: Lors des derniers Jeux Olympiques au Brésil (2016), plus précisément à Rio de Janeiro, Kobra, juste avant l’ouverture, battit un record du monde: il peignit la plus grande fresque murale du monde: 190 mètres de long, 15 de haut, une surface de 3000 m2, 40 jours de réalisation, 1 000 pots de peinture blanche, 1 500 litres de peinture colorée, 3 500 bombes aérosol. La fresque intitulée "Etnias" (ethnicités), sous-titrée "Nous sommes tous Un", peinte près de la zone portuaire en bordure de la baie de Rio, représente 5 visages d’indigènes des 5 continents renvoyant aux 5 anneaux olympiques. En 2017, il bat son propre record avec une oeuvre monumentale (5742 m²) visible sur la façade d'une usine de chocolat au bord d'une voie rapide de la mégalopole Brésilienne. La fresque représente un indien d'Amazonie qui pagaie dans une pirogue chargée de cacao, au beau milieu d'une rivière de chocolat.

     

    "Aujourd’hui, mon travail est l’association de la tendance tag, du graffiti américain, des muralistes mexicains et du graphisme géométrique." Eduardo Kobra.

    MERCI À VOUS D'ÊTRE VENU(E) LIRE LA BIOGRAPHIE D'EDUARDO KOBRA SUR BPA.


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  • Autoportrait, Amedeo Modigliani - 11-05-2018
    Amedeo Modigliani - Autoportrait - 1919
    Autoportrait

    Ce célèbre autoportrait, peint en 1919 (Huile sur toile - 100 x 64.5 cm), juste un an avant la mort de Modigliani (une méningite tuberculeuse le 24 janvier 1920 à l'Hôpital de la Charité), a inspiré de nombreux écrivains captivés par son romantisme qui les a amenés à spéculer largement sur sa signification. Même si beaucoup d'interprétations sont essentiellement des conjectures, la longueur et la finesse du visage, ainsi que sa pâleur et son calme surnaturels, peuvent être dus à la tuberculose. Dans ce portrait, qui rappelle les masques africains ayant fasciné l'artiste par leur simplicité formelle et leur cohérence plutôt que par leur expression intense, Amedeo Modigliani semble avoir réussi à capturer l'essence de son sujet, lui-même. Il retourna même à ses racines fauves pour les teintes frappantes et si typiques de la complication tuberculeuse. Il s'inspira également des sculptures de son ami Brancusi pour la sérénité étudiée, et sa capacité émotionnelle à capturer les profondeurs des ténèbres dans ces objets stylisés. Mais, qu'il le veuille ou non, le maître portraitiste Modigliani, dans cet autoportrait de joues creusées et de lèvres scellées, immortalise plus que son visage. Il a peint le visage de la tuberculose. C'est encore aujourd'hui le seul autoportrait connu de Modigliani qui a longtemps refusé toute image peinte de lui. Se sentant malade, peut-être est-ce là son véritable testament.

     

    "D’un oeil, observer le monde extérieur, de l’autre regarder au fond de soi-même". Amedeo Modigliani.






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